Мане vs Моне, или как не перепутать двух импрессионистов
У Моне и Мане много общего: созвучные фамилии и похожие картины. Например, у обоих художников есть картина под названием «Завтрак на траве». Как же их не перепутать? У нас есть ответ!
Отличие №1: та самая буква
Какая буква все-таки в фамилии того парня, который нарисовал 250 полотен с кувшинками? Запомнить, чья фамилия Моне, а чья Мане, поможет простой лайфхак: буква в имени и фамилии повторяется. Эду а р М а не ( Édouard Manet) и Кл о д М о не (Oscar-Claude Monet). Осталось только выяснить, какие картины писал Эдуар, а какие Клод.
Клод Моне. Кувшинки
Отличие №2: возраст
Эдуар Мане родился 23 января 1832 года, Клод Моне – 14 ноября 1840-го. Эдуар был старше Клода на 8 лет, что не помешало художникам стать друзьями. Существует картина Эдуара Мане, на которой изображен Клод Моне за работой.
Мане умер в 51, а Моне дожил до глубокой старости. Клод участвовал похоронной процессии и помогал нести гроб Эдуара.
Эдуар Мане. Клод Моне за работой
Отличие №3: отношение к импрессионизму
Эдуара Мане считают родоначальником и предтечей импрессионизма. Сам Эдуар злился, когда его причисляли к импрессионистам. Его куда больше интересовал реализм.
Знакомство Мане с импрессионистами оказалось вынужденным.
Хотя однажды ему удалось выставить две картины («Портрет родителей» и «Гитарерро»), даже получить награду за одну из них, но большую часть работ жюри отвергло.
Эдуар Мане. Олимпия
Естественно, импрессионисты тоже не угодили жюри престижной выставки. Тогда, в 1863 году, они создали «Салон отверженных». Именно здесь выставлял свои «скандальные» работы Эдуар Мане.
Художник начал сближаться с импрессионистами, Дега и Моне стали его близкими друзьями. Со временем это повлияло на стиль работ художника. Но пусть картины Мане стали импрессионистичными по стилю написания, в них всегда отсавался социальный подтекст. Когда Эдуар писал картины в импрессионистичной манере, он говорил, что хочет «показать этим ребятам, как надо работать».
А вот Клод Моне – настоящий основатель импрессионизма. Именно его знаменитый пейзаж «Восход солнца. Впечатление» дал название всему художественному направлению.
В 74 года Клод практически ослеп. У него была двойная катаракта, так что художнику пришлось перенести две операции. Тем не менее, он не оставил занятий живописью и продолжал плодотворно работать до самой смерти в 1926 году. В последние годы Моне сосредоточился на изображении своего сада в Живерни. Этот сад он разбил собственноручно и считал своим величайшим шедевром. Знаменитые «Кувшинки» он писал именно здесь.
Клод Моне. Впечатление. Восход солнца
Отличие №4: сюжеты
Чем больше на картине людей, тем вероятнее, что это работа Мане. Хотя художник писал и натюрморты и пейзажи, больше всего его интересовали люди.
В самом начале творческого пути, Мане часто копировал сюжеты классических художников. Так он хотел добиться признания Парижского салона. Но со временем художник начал искать сюжеты для своих картин на улице, в реальной жизни.
Клода Моне в первую очередь интересовал свет и цвет, изменчивость природы и человеческого восприятия. В своих работах художник хотел передать сиюминутное впечатление, быстротечность момента. Большая часть картин – пейзажи, хотя есть замечательные натюрморты и портреты.
Для Моне характерны повторяющиеся сюжеты. Он несколько раз написал пейзаж Сены в разное время дня при разном освещении. Кисти художника принадлежит серия из 30 (!) картин, изображающих Руанский собор в разные дни и времена года, при различном освещении.
Клод Моне. Руанский Собор (серия)
Отличие № 5: «Завтрак на траве»
Если вас спросят, какая картина у «М_не» вам нравится больше, а вы не расслышите фамилию, можете с уверенностью говорить «Завтрак на траве». Потому что и у Мане и у Моне есть такая картина. Правда, эти два полотна очень разные. У Моне все скромно, а вот работа Мане когда-то наделала много шуму. Парижские критики посчитали, что главные герои картины предавались плотским утехам прямо в лесу, а женщина в пруду моется после этого безобразия. Когда-то картина вызывала сложные эмоции, теперь же это – признанный шедевр.
Эдуар Мане. Завтрак на траве
Клод Моне. Завтрак на траве
Отличие №6: техника
Эдуар Мане владел классической реалистичной техникой, но даже его реалистичные работы отличаются большой свободой мазка. Художник мастерски использовал черный цвет, который подчеркивал яркость и выразительность света в его картинах.
В работах Моне иногда вообще отсутствует черный цвет. Практически всегда художник использует яркие краски, мазок может быть круным и мелким, мягким или жестким.
Иногда работы художников перекликаются, хотя большая их часть значительно отличается по технике и содержанию. Различать картины художников не трудно: они обладают индивидуальным, легко узнаваемым стилем.
Эдуар Мане. Бар в «Фоли-Бержер»
Клод Моне. Вокзал Сен-Лазар
Автор статьи: Дарья Паламарчук
Понравилась статья? Подпишитесь на канал, чтобы быть в курсе самых интересных материалов
Моне или Мане? Что нужно знать о художниках, чтобы не выглядеть тупым
Серьезно, кто будет читать энциклопедию про художников, когда есть «ВКонтакте» и Youtube? Угу, никто. Только вот потом обязательно возникает какая-нибудь ситуация, когда неловко, что не «потянул» простой вопрос на эрудицию. Чтобы такого не случалось, мы запускаем рубрику «Че так сложно-то?», где будем простым языком, как для друзей, объяснять всякие штуки про культуру и искусство. В первом выпуске разбираемся, как минимально шарить в картинах.
Вечная проблема: Клод Моне или Эдуард Мане?
Возможно, никто и не путал бы Мане и Моне, если бы они являлись представителями разных художественных направлений. Но все усложняется: оба художника — французы и оба стояли у истоков импрессионизма. Самые азы — это правило «Моне — пятна, Мане — люди». Что-то в этом есть: Моне написал немало весьма абстрактных пейзажей («Стог сена около Живерни», «Сад художника в Живерни»), Мане — немало людей («Железная дорога», «Завтрак в мастерской»). Но если вы думаете, что все так просто, увы. Моне людей тоже писал (если бы он знал…).
Но — есть одна важная особенность. Если смотреть на картины Клода Моне с близкого расстояния, вы, скорее всего, ничего не поймете. Но пара шагов назад — и — вау! — появляются силуэты, смыслы и, что самое важное, свет. Моне так и говорил: «Я пытался сделать невозможное — нарисовать сам свет». Так вот, помните: у него это получилось. А вот у Эдуарда Мане — не совсем.
нет четких линий, крупные и широкие мазки;
нет достоверности, акцент на сочетании цвета и света.
близок к реализму, более четкие и точные линии;
сложная композиция и объемные сцены.
! У обоих художников есть картина «Завтрак на траве». Тут уж, наверное, проще запомнить, где чья.
Это Моне. Год написания — 1866-й.
Эдгар Дега и его балерины
Дега тоже товарищ стереотипный: считается, если на картине есть балерина, ее автор — Эдгар. Но мы же хотим быть эрудированными, поэтому копнем глубже.
Художник вдохновлялся фотографией, поэтому его картины максимально на нее похожи. Полотна напоминают случайное фото, как будто кадр просто выхвачен из реальности. Плюс, конечно, танцовщиц рисовал не только этот француз (да и вообще не только французы), поэтому важно запомнить, что у Дега они выглядят суперестественно и чаще за кулисами.
Еще из фишек художника — свет, который как бы делит лица героев на две части: темную и светлую. «Певица с перчаткой» — яркий пример такой картины.
«Танцевальный класс в Опере» (1872). Зацените, как пусто в центре картины.
«обрезание» людей, предметов краями полотна;
нередко свободное пространство в центре композиции, фигуры и объекты — сбоку.
Пабло Пикассо (настолько разный, что запомнить все нереально)
Здесь надо подсобраться: Пикассо подкинул ту еще задачку, писав картины целых 70 лет. Конечно, за это время французский испанец менялся так, что его полотна можно по ошибке причислить к разным авторам. Но мы попробуем не облажаться!
В начале творчества Пабло валил по мейнстриму: перспектива пространства и правильные линии ему еще не были чужды. Что важно — на картинах были простые люди, часто калеки, нищие, странствующие актеры. Если герой картины принадлежал к другой профессии, ему все равно было «не ок»: композиция картины ломалась, появлялись странные цветовые сочетания, ломаные линии, «выбивающиеся» детали и прочее. Все это называется голубым периодом, а значит, картины — в сине-зеленых оттенках. Так и запоминаем — по «Старому нищему с мальчиком» (1903), например.
«Любительница абсента» (1901) как бы оранжевая, но тоже из голубого периода (на это намекает бутылка и одежда).
Дальше был розовый период. Здесь больше радости и — да-да — оранжевых тонов. Еще розовых. В этот период Пикассо, видимо, впечатлил цирк, и он занимался его отображением в картинах. Известная «Девочка на шаре» (1905) относится к этому периоду
«Девочка на шаре» (1905)
Наконец, КУБИЗМ — то, за что Пикассо и известен. Все началось примерно с «Авиньонских девиц» (1907). Суть направления в том, что реальность разбирается на элементы и из них составляется новый мир — произведенческий. Де-струкция, де-формация, де-вицы — так и запоминаем.
«Авиньонские девицы» 1907 год
Это «Гитара и скрипка». Как вам?
Дальше у Пикассо случается «помутнение»: он влюбляется в русскую балерину Хохлову и пишет ее портреты (и не только). А ей нравился традиционный, консервативный стиль, поэтому художник его выдавал. Ну как сказать… Пикассо все равно прослеживаетс
Потом снова узнаем Пабло: у художника начинаются семейные проблемы, он увлекается молоденькой девушкой, туда-сюда — и вот начинается полнейший
Впрочем, он длится почти до конца жизни Пикассо. Он, кстати, под старость и вовсе разочаровался в творчестве (что видно по настроению работ).
Если это было очень жестко, просто запомните: Пикассо — это кубизм и сюрреализм. И, конечно, масштабная «Герни́ка» (ударение на «и», не ошибитесь), написанная в 1937-м.
Фух, вроде расправились. Идем дальше.
Красно-зеленый Марк Шагал
После Пикассо Марк Шагал выглядит очень целостно и постоянно. Поэтому легко выделяем особенности его творчества.
Кстати, Шагал и Пикассо дружили, но постоянно троллили друг друга. Пикассо называл Шагала летчиком (потому что герои его картин летали), а Шагал Пикассо — разделочным ножом (потому что испанец «разрезал» людей на части и перекладывал их из трехмерного мира на плоскость).
по темам: Витебск, любовь (к женщине, к родине — неважно), религия и летающие люди;
по цветам: много зеленого (жизнь, обновление природы) и красного (тревога, потрясения).
«Любовники в небе Ниццы» (1964).
Анри Матисс и женщины
Матисс, как и Моне, передавал эмоции через цвет. А еще у Анри много женских фигур. Кажется, какая банальщина! Но вообще-то нет: чтобы создать такие произведения, надо очень тщательно изучить натуру и трансформировать ее гармонично. За такие «игры» его критиковали, но художник отвечал хлестко: «Я создаю не женщину, я создаю картину
«Женщина в шляпе» (1905).
Попробуйте закрепить в голове Матисса рядом со словом «фовизм» — именно он поучаствовал в рождении такого стиля в искусстве. В принципе почти все, что подразумевает фовизм, отражается в картинах художника.
Что там по Матиссу:
четкие линии и плоские (!) формы;
одни и те же вещи (ткани, ковры, статуэтки) — это сложно объяснить, но это узнаваемо;
нет ясной структуры у изображаемого предмета;
в названиях картины не указано время суток.
Ну и, кстати, вот эта картина — тоже Матисс.
Поль Гоген, который не любил тени
В этом случае лучше сразу к делу и привести пару примеров.
«А, ты ревнуешь?» (1892)
Список по Гогену:
намеренное искажение пропорций;
почти полное отсутствие теней (это специально);
четко очерченные фигуры;
цвет, цвет, цвет.
Непонятный Сальвадор Дали
Про этого художника написано столько всего, что лучше даже не пытаться построить из этого систему. Действуем на свой страх и риск: «Кажется, на картине какая-то ерунда? Похоже, это Дали». Смотрите сами — вот вам не самое популярное произведение: «Метаморфозы Нарцисса» (1937).
на некоторых картинах можно проследить тягу Дали к морской теме (плюс синие тона);
«плавающие» часы — точно Дали. Хотя это и так понятно.
Если видишь на картине
Но они из пластилина
И висят там как трусы,
Слон и коник с ножкой длиной
Если видишь на картине
От которого мужчина
Без оглядки убежит,
Все раздеты и развратны
И как будто банный день
Всем конечно же, понятно:
Это Рубенс, ясен пень!
Если видишь на картине
Много черных томных глаз
Всякий юноша невинный
Смотрит, словно педераст
Женщин нету и в помине,
Только парни правят бал
Если видишь на картине
Много разных мужиков
Лица вытянуты сильно
Словно сплюснуты с боков
Все ужасно очень длинны,
Ту Эль Греко написал.
Если видишь на картине
Всё совсем наоборот:
Всё приплюснуто так сильно
И приземистый народ,
Словно карлики и гномы
Этот почерк нам знакомый
То Веласкеса труды!
Если видишь на картине
Ты похмельный страшный бред:
Звери разные чудные
Тех, что не было и нет,
Много всякой разной хрени,
Словно мошки мелкой дым-
Всем понятно, без сомненья
Если видишь на картине
(Хоть не пил ты ни раза)
Россиянам всем родные
На любой портретной роже
Всё один лишь человек,
Если видишь на картине
Ты простой обычный круг,
Или треугольник синий,
Не грозу, не мелкий дождик
И не девы стройный стан
Знайте, это лжехудожник
То Малевич шарлатан.
Мане-Моне. Давно уже прописали: если люди на картине — это Мане. Если пятна — Моне.
Легко блин, даже для оленей.
Балерины в то время огонь были! такую хрен подымешь!
Пост классный! И полезный!☝️
Мане:
близок к реализму, более четкие и точные линии;
А че она с такими сиськами хотела?
Картина «Ох уж эти детки»
Воспоминания из детства разблокированы.
Холст на подрамнике, 50*40, акрил. Полностью ручная работа.
Моя первая работа: «Физалисы»
Попробую еще раз пробиться в Лигу художников. На этот раз переделала фото. Вроде цвета соответствуют реальным и убрала из кадра все посторонние предметы.
40*60 см, холст на подрамнике, акрил, паталь.
Повторюсь: последний раз рисовала в школе. Акрилом- никогда ранее.
Принимается конструктивная критика: что не так, что можно исправить или убрать.
Рыжий лес
Картина маслом «Свежесть»
Работа написана маслом на холсте 40х50 см.
Сломал дорогу (2)
Рыжая осень
Миниатюра
Акварельная копия в размер спичечного коробка, написанная мной в 2016 году.
«Данте и Вергилий в аду» Бугро, или не ходите дети по Аду гулять
Частенько в своих постах я ругаю академизм, и есть за что. Но и не восхищаться многими картинами направления я не могу. Не стала исключением и эта – вы поглядите, сколько эмоций, силы и эстетства.
Адольф Вильям Бугро – «Данте и Вергилий в аду», 1850
Ах Данте, твое путешествие лично для меня закончилось на одном из кругов в чистилище – для молодого меня стало совсем неинтересно на каждую страницу читать страницу заметок, каюсь и обещаю исправиться.
Немного про сюжет. Данте в сопровождении Вергилия обходит знаменитые круги Ада, картина застает их на восьмом, а конкретно на 10 рве восьмого круга. Там, как известно, не очень позитивно проводят время фальсификаторы.
Карта Ада от Сандро Боттичелли:
Джанни Сикки (прозвище рыжий) кусает и ломает полностью Капоккьо. Оба начудили в свое время: Сикки выдал себя за местного богача на смертном одре (тот как раз недавно умер) и от его имени составил завещание, весьма и весьма выгодное для себя. А Капоккьо был обычным алхимиком и еретиком, ничего особенного.
Драка Сикки и Капоккьо:
А вот что интересно – детали! Во-первых, вам не кажется удивительным, насколько Данте и Вергилий спокойны? У вас тут под ногами происходит ММА, а Данте лишь немного недоволен.
Для антуража Бугро добавил черта с грустным взглядом, а на заднем плане гору плоти – люди борются между собой и безуспешно пытаются спастись. Добавляет настроения зарево на фоне – ничего хорошего в этом месте не встретить.
Черт и борьба погибших душ на заднем плане:
В центре картины самое главное событие – безумная драка, этот клубок из мышц, сухожилий и чистой ярости. Бугро попытался изучить мрак человеческой души, но при этом не уходит в безумие Гойи, а старается уловить баланс эстетического – согласитесь, сюжет откровенно мерзкий, но картина не вызывает отвращение, она притягивает, хочется разглядывать ее.
Бугро явно вдохновлялся картиной Делакруа с тем же сюжетом и той же вычурностью.
И вы мне скажете – окей, а сможешь добавить актуальную повестку и связать картину с Оксимироном? Ха, легко. Группа блэк-металлистов Gorgoroth (прямо как его Горгород, а?) взяли картину на обложку.
Но вообще их название из вселенной Толкина, но приплести получилось, не правда ли?
Больше интересных историй из мира живописи можно посмотреть в моем телеграме: https://t.me/picturebymaslo
Портрет
Море моря
Покажу вам сегодня свежее, отфографированное.
Да, я помешалась на лучах солнца)) в работе ещё две картины с этим явлением. Кажется, пока я не завешу солнцем все стены мастерской я не успокоюсь.
Самое то в самый тусклый и унылый месяц года.
Столкнулась с проблемой, что я не умею фотографировать картины( или нужен другой объектив на мою системную камеру…
Как это не странно, на телефон снимки получаются точнее. Надо экспериментировать, а это тяжело в условиях ноябрьского света, точнее его отсутсвия)))
Зато в гости приходил фотограф, пофотографировал меня немного 😊
Надо было отжать у него камеру)
Новая работа «Два солнца»
Картина написана маслом на холсте 40х60 см. Прикрепил фотографии фрагментов работы😊✨
Художника обидеть может каждый
Пост касается прежде всего тех, кто сам рисует и/или постит фото своих работ в сообществе «Лига художников».
Недавно (собственно, я сама здесь зарегистрирована недавно, хотя года три как до этого просто читала Пикабу) с удивлением узнала, что, оказывается, творческие люди (в частности художники) настолько ранимые личности, что на дух не переносят никакой критики в адрес своих работ.
Даже той, что по существу и высказана в корректной форме, не затрагивая личность самого автора картин.
Причем больше всего обижаются даже не сами авторы, а некие «сочувствующие» из «группы поддержки». И начинают всячески тут доказывать, что молодых авторов ВООБЩЕ нельзя критиковать, а то у них стоять не будет. На работу, естессно)
Или критиковать можно, но только если они так под своим постом с картиной и написали: хочу, мол, чтобы меня покритиковали.
Во всех остальных случаях ни-ни! Допускаются лишь восторженные отзывы независимо от того нравится тебе увиденное или нет. На крайний случай про автора и его работы, как про покойника: либо хорошо, либо никак. Хочешь написать что именно не так или не понравилось- молчи и даже не думай писать свое мнение. Ведь картина выставлена ради «лайков» и плюсиков, а не вот это вот все!
А, да! Еще хотела уточнить возрастной или временной промежуток, в течение которого по мнению этих людей молодого художника следует считать молодым и не подвергать его эго негативу. Потому как в комментах данные форумчане как-то подозрительно промолчали по этому поводу.
Ну и как вишенка на торте: как на счет того, чтобы работы «молодых и ранимых» выставить не в инете, а на реальной выставке/витрине/холле? Т.е. в общественном месте, где каждый может видеть, оценивать и озвучивать свое мнение, не считаясь с тем хочет его слышать автор или нет.